16

julio
2016
Hora: 20:30

SINFONITY - The first electric guitar orchestra

PROGRAMA
 
Maurice Ravel
BOLERO
 
Antonio Vivaldi
LE QUATTRO STAGIONI
- Concerto No. 1 in E major, Op.8, Rv269, La primavera
Allegro
- Concerto No. 2 in G. minor, Op.8, RV315, L’estate
Allegro non molto
Presto 
- Concerto No. 3 in F. mayor, Op.8 RV293, L’autunno
Allegro
- Concerto No. 4 in F. minor, Op. 8, RV297, L’inverno
Allegro non molto 
Allegro
 
Johann Sebastian Bach
BWV 1056, Adagio 
 
Pietro Mascagni
CAVALLERÍA RUSTICANA.
Intermezzo sinfónico 
 
Giovacchino Antonio Rossini 
OBERTURA DE GUILLERMO TELL &  BARBERO DE SEVILLA 
 
Franz Joseph Strauss
TRISTCH TRASTCH POLKA (polka del cotilleo)
 
Aram Khachaturian
LA DANZA DEL SABLE. Ballet Gayaneh
 
Serguéi Prokófiev
DANCE OF THE KNIGHTS, Romeo y Julieta 
 
Gustav Holst
THE PLANETS OP. 32 Mars: The bringer of war
 
Wolfgang Amadeus Mozart 
CLARINET CONCERTO IN A (- II mov). 
EXTRACTO DE LA FLAUTA MÁGICA 
 
Modest Mussorgskyy
LA GRANDE PORTE DE KIEV. Cuadros para una exposición
 
"BIS"
Johann Sebastian Bach 
T0CCATA Y FUGA EN Dm BWV 565.
 
NOTAS SOBRE LOS AUTORES Y LAS OBRAS
 
- PARTE I: La sorpresa
 
Maurice Ravel.  Bolero (1928) Duración 7 min.  
Notas sobre el autor y la obra:
El Bolero se estrenó como un ballet en la ópera de París el 20 de noviembre de 1928. La motivación de Ravel al componer esta pieza fue revelar las posibilidades sonoras de la orquesta a través de la orquestación, no del contrapunto melódico o de la densificación armónica. La búsqueda de la colorara la desarrolló a través de este crescendo orquestal que se ha convertido en el más famoso de todos los tiempos. Repetir su experimento con nuestra formación es un homenaje a esa exploración de Ravel en una sonoridad nueva.
 
El crescendo orquestal de esta magnífica pieza, nos permite presentar la formación de nuestro timbre orquestal, que se revela a los oídos con cada nueva entrada. Tras unos minutos, el sonido de una orquesta sinfónica está formado. 
 
- PARTE II: Concerto grosso
 
Antonio Vivaldi. Le quattro stagioni (1723)  Duración 23 min.
Notas sobre el autor y la obra:
Antonio Vivaldi, “Il prete rosso” (sacerdote y pelirrojo), es uno de los compositores más célebres de la Historia de la Música, nacido el 4 de marzo de 1.678 en Venecia, y muerto en la indigencia (triste sino el de los músicos) en Viena el 28 de julio de 1.741. Es el maestro fundador del género concierto (compuso 477). Como virtuoso del violín que era, centró su producción en el lucimiento de este instrumento. El violín, junto con la orquesta, protagonizan "Il cimento dell'armonia e dell'inventione”, publicado en 1.726, que contiene la famosa serie “Las cuatro estaciones”. Bach admiraba tanto la obra de Vivaldi, que la transcribió completa.
 Las Cuatro Estaciones es uno de los pilares de la música instrumental barroca.Es la primera obra programática de la tradición occidental. funda un estilo musical puramente italiano enen el que por primera vez las cuerdas toman el papel principal. Es música para cuerda, siendo por ello una elección adecuada para nuestro repertorio.Alguno de sus fragmentos es celebérrimo, como el Invierno, o el impetuoso Verano. Sin embargo, se lleva el óscar a la música más reconocida el allegro de la Primavera o Concierto número 1 en Mi Mayor.
 El Barroco es un arte de contrastes , lo cual se refleja en la música mediante diferentes recursos: el cambio de dinámica forte-piano, la oposición de tempo allegro-adagio, y el contraste entre instrumentos. Vivaldi se vale de todos los elementos a su disposición para crear una obra puramente descriptiva de una jornada primaveral en el campo. Para que no cupiesen dudas del significado de cada frase, el mismo compositor hiló unos sonetos referidos a cada concierto.
 
La Primavera está compuesta para un violín solista (Pablo Salinas), que mantiene una disputa con la orquesta de cuerda, formada por violines, violas, violoncellos, contrabajos y clave, que realiza el bajo continuo. El allegro (primer movimiento) se conforma alrededor de un estribillo o ritornello: el tema de la Primavera.
 
#1.-LA PRIMAVERA Mov.1, Allegro: (3:23)
La obra comienza con un luminoso tema de tres compases, que Vivaldi asocia a la llegada de la primavera. Inmediatamente, el tutti (el grueso de la orquesta) repite el tema en piano (suave), a modo de eco. El tema continúa en 00:14 en forte, con el violín junto a la orquesta, repetido en eco. En 00:30 dialogan el solista, primer y el segundo violín, imitando el canto de los pájaros. Los violines gorjean y se recrean en los agudos. En 1:03 la orquesta retorna el tema primaveral, para dejar paso en 1:10 al discurrir de los arroyos y las fuentes, mediante escalas ascendentes y descendentes, rápidas y alegres, mientras la brisa juega con las hojas. En 1:33 vuelve a asomar el sol. En 1:40, los nubarrones pasan a toda velocidad y ocultan el sol, oscureciéndose el paisaje; el ámbito se vuelve grave. El violín solista imita con rabiosas escalas ascendentes los rayos y truenos que atraviesan la oscuridad. La velocidad de las figuraciones imita la inestabilidad atmosférica y el viento que barre las praderas. En 2:08, retorna el tema de la primavera, pero en modo menor.
 En 2:38 se relaja la armonía, que vuelve al tono mayor: las alondras sobrevuelan con delicadeza las laderas. En 2:59, los instrumentos llaman a la primavera, que instala su luz sobre el paisaje. 
 La Primavera es un ejemplo de la unión de las artes, que se aliaron en Vivaldi para crear una obra inmortal. 
 
#2.-EL VERANO: VERANO 1 & VERANO 3: (8:24)
 
VERANO 1 (5:14)
Interpretamos el Verano I, la pieza con mayores contrastes de las 4 estaciones, nuestra primera pieza en tonalidad menor. El comienzo evoca el 2 movimiento de la Primavera, y por ello la transición entre las dos piezas es idónea. Se representa un paisaje lánguido de Verano, interrumpido por crescendos orquestales de gran belleza que significan las tormentas que trae el viento del norte en el Verano.
comienza por un paisaje agostado por el sol, se puede usar la pantalla para este efecto.
 
VERANO 3, PRESTO (2:47)
El celebérrimo movimiento de la tormenta es nuestro primer favorito de la audiencia. La interpretación en guitarra eléctrica está ya en el imaginario del público, y la nuestra da un paso más allá.
La fuerza en la interpretación de la pieza consiste en un ritmo frenético, una ejecución precisa, y un empleo físico particularmente notable en nuestros mástiles, tres veces más grandes que los del violín. Como es característico en nuestra orquesta, las guitarras tienen la distorsión justa (mas bien poco) para disfrazarse como violines y sonar a guitarra. Esto da una imagen limpia al sonido que permite el uso de la dinámica para amplificar el drama de la tormenta sobre los campos de Venecia.
 
OTOÑO 1 (5:14)
Pastoral. En 1;06 hay una de las mejores parte solistas de todo el repertorio barroco, con un juego brillante de tensiones y dinámica entre concertino y orquesta. 
En 3:15 llega una parte muy evocadora a tiempo sereno. Un contraste sonoro muy bello que culmina en 4:45 con el tema principal, de intención optimista.
 
INVIERNO I (3:35)
El primer movimiento es seguramente la pieza más bella de los 4 conciertos.
0:00 Unos paseantes cruzan un lago helado
de repente , en 0:36, los arpegios rápidos del solista representan el viento helado que detiene la comitiva. Estos insiste dos veces, pero el viento les detiene.
en 1:00 Llega el crescendo y el tema. Los paseantes avanzan...
1:22. Primer solo. Considerado el más brillante de toda la obra. La orquesta compite con rápidos acordes crecientes, pero el viento por fin se calma.
en 2:03, por fin se calma el viento, que vuelve en 2:21 con tres llamadas del solista.
en 2:30 la Naturaleza se impone. Lluvia , nieve, viento se desatan hasta el tutti en 2:30 del tema principal, como final. Acaba en un gran acorde fuerte.
 
INVIERNO III (3:35)
 El 3º movimiento tiene un final intenso, rápido y en unisono. Espectacular.
0:00 Empieza el solista con una melodía ternaria, como de danza.
en 0:40 se une la orquesta, hasta 0:50. Entra solista, y en 1:00 se esconden todos en un pulso muteado.
Otro duelo entre solista y orquesta, que acaba inconcluso.
La calma: en 1:43 una dulce y mímima cadencia de violines presagia la llegada del apoteósico final, en 2;26.
Concertino y orquestan para acabar en 2:42 juntos en un final rapidísimo.
 
- PARTE III: La emoción
 
Johann Sebastian Bach
BWV 1056 Adagio (1738) Duración 3 min.37 seg.
"Los que le amamos podemos pronunciar las palabras divinas: Muerto, sigue hablando. Tengo la profunda convicción de que vivirá mientras viva su música. Ya sé que existen ahora nuevas corrientes musicales y que los jóvenes las siguen, como siguen todo lo nuevo; pero, cuando envejezcan, si son verdaderos músicos, volverán a Juan Sebastián". Anna Magdalena Wilcken Bach
 
Bach escribió más de 1.000 composiciones en los más diversos géneros. Sus obras se recogen en el catálogo BWV (siglas de Bach Werke Verzeichnis o "catálogo de obras de Bach") donde, al contrario de lo que suele suceder, no están clasificadas por orden cronológico sino por tipo de composición, estando la obra vocal en primer lugar (BWV 1 a 524), seguida de la instrumental (BWV 525 a 1127), por lo que el número de catálogo no nos da idea del momento en que la obra fue compuesta, aunque en su versión para clave de 1.738 está incluido el adagio.
 
Bach es esencialmente un músico de la meditación espiritual. Y para esta clase de meditación, nada mejor que una pieza íntima de la que el propio JS era muy entusiasta, llega a ser reutilizada en su catálogo 4 veces,aunque originalmente parece proceder de un concierto en Re menor . Glenn Gould la inmortalizó nuevamente en una grabación de piano muy popular.
 
Es una de las piezas instrumentales más apreciadas de su legado. Para la orquestación recuperamos la versión primera, el concierto para oboe d´amore y cuerda, interpretada por un septeto de músicos de la primera fila del escenario. El solista es Pablo con la guitarra Moog. 
 
La línea melódica avanza con una sorprendente delicadeza con el soporte del pizzicato de las cuerdas, resultando (en especial en la primera sección) luminosa y sencilla, el contrapunto está usado con la prudencia y simplicidad de un sabio y la forma se nos muestra como si de un libro abierto se tratara. Una sencilla forma que termina de manera inestable,  lo que  recuerda a los breves movimientos lentos de los conciertos de Vivaldi, de quien Bach era admirador
 
Pietro Mascagni
Cavalleria rusticana. Intermezzo sinfónico (1890)  Duración 4 min.
Post-romántico. Opera. Del naturalismo francés surge el verismo italiano, utilizado como descripción de los dramas apasionados y duros de la clase trabajadora, para el cual el término fue acuñado, pero también como el movimiento cultural de estos compositores.
 
- PARTE IV: Diversión
 
Giovacchino Antonio Rossini
Obertura de Guillermo Tell (1829) &  Barbero de Sevilla (1815) Duración 6:35 
 
MEDLEY ROSSINI.  Después del arrebato emocional producido por la espiritualidad de Bach y el romanticismo del Intermezzo, es hora de reírnos de nosotros mismos. Rossini es la elección más oportuna. 
 
Notas sobre el autor y la obra:
GUILLERMO TELL 1829. Guillermo Tell fue la última ópera compuesta por Rossini, que decidió componerla para la Ópera de París a cambio de una pensión vitalicia otorgada por el gobierno francés.Tras esta obra vino el silencio. Rossini viviría más de 30 años tras su estreno, pero no realizó ninguna aportación más al campo operístico.
 Hoy, la ópera se recuerda principalmente por su famosa obertura.  Su final enérgico es particularmente conocido gracias al llanero solitario y la naranja mecánica.
 
EL BARBERO DE SEVILLA 1816
El barbero de Rossini ha demostrado ser una de las grandes obras maestras de la comedia dentro de la música, y ha sido descrita como la ópera bufa de todas las óperas bufas. Incluso después de doscientos años, su popularidad en la escena de ópera moderna atestigua su grandeza. Se dice que tardó 13 !?! días en escribirla, y una semana más para culminar la copia,El estreno fué un fracaso muy sonado
La conocidísima obertura11 de esta ópera se toca con frecuencia como pieza de concierto. Se sabe que su música había sido utilizada por el compositor como obertura de dos óperas anteriores. Sin embargo, ha quedado ligada de manera permanente a ésta, una de sus obras maestras.La obertura también fue utilizada como marcha de la banda de guerra del Ejército Mexicano en tiempos del general Santa Anna. 
 
Franz Joseph Strauss
Tristch Trastch Polka (polka del cotilleo)
 
Aram Khachaturian
La danza del sable. Ballet Gayaneh (1942) Duración 2:10 min
 
- PARTE V: El conflicto / La guerra
 
Serguéi Prokófiev
Dance of the Knights, Ballet Romeo y Julieta (1938) Duración 3 min.
 
Después del mareante interludio del moscardón, cómico y antipático a un tiempo, llega a término  la transición del vigoroso bloque de la “diversión" al “drama”. Ya estamos preparados, después de la sorpresa, el placer, la emoción y la risa. Pasaremos a la discordancia y a el conflicto .Otro duelo entre dos bandos, Montesco y Capuleto. Varones y damas. La parte dramática, vaya.
 
Notas sobre el autor y la obra:
Sergéi Sergéyevich Prokófiev (1891–1953). Su madre le enseñó a tocar el piano, haciendo de él un intérprete prodigioso y un compositor precoz. Su estilo no se parecía a ningún otro. En estos años, la URSS imponía una línea creativa realista, que Prokofiev no siguió, inclinándose más hacia un neo-romanticismo muy personal. Romeo y Julieta es un ballet basado en la obra de Shakespeare. Prokofiev se valió de esta música en el desarrollo de tres suites orquestales y varias obras para piano. Cuando en 1.935 el compositor presentó la partitura a los bailarines, éstos la tacharon de “indanzable”, debido a su complejidad rítmica y armónica. Hubo que esperar hasta 1938 para ver su estreno, forzosamente fuera de las fronteras soviéticas.
 
Gustav Holst
The Planets Op. 32 Mars: The bringer of war (1914) Duración 7 min.
 
Notas sobre el autor y la obra:
Los planetas es la obra más conocida del compositor inglés Gustav Holst y fue compuesta entre 1914 y 1918. Es una suite de siete movimientos a cada uno de los cuales Holst le dio el nombre de un planeta (y su correspondiente deidad en la mitología grecorromana). Marte fue el primer movimiento de la suite en ser terminado, y lo fue tan sólo un mes antes de iniciarse la Primera Guerra Mundial (agosto de 1914). Holst usa aquí la bitonalidad, pero enfrentando brutalmente acordes no relacionados tonalmente entre sí (sol mayor / do sostenido menor).
 
- PARTE VI: Redención
 
Wolfgang Amadeus Mozart  (1756/1791)
Clarinet concerto in A II mov. Duración 7 min.
Extracto de la flauta mágica  Duración 2 min.
Después de la guerra y la tragedia que expresa la obra de Holst, la emoción acongoja. El final es dramático , y la sensación es perturbadora. Afortunadamente, tenemos a Mozart. Éste escribió la más bella música de perdón y redención posible, el adagio K622. Una lección de humanidad y concordia. Todo el drama se torna así en esperanza y buenos sentimientos. Una forma sublime de acercarnos al final del  repertorio.
 
Notas sobre el autor y la obra:
Mozart desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a la oscuridad y la pasión. Todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto».  
En su malograda vida trabajó hasta la extenuación sin dejar de ser genial en cada una de sus más de seiscientas obras. Hemos elegido el segundo tiempo del Concierto para Clarinete en La Mayor, K. 622.  Este concierto para orquesta y solista de clarinete fue escrito en 1791 para Anton Stadler, un amigo, masón como Mozart, que tocaba este instrumento, una novedad de la época. Fue su último concierto para solista.
Después de su vuelta a Viena en 1791, el estado de salud de Mozart empeoró gradualmente. Por un tiempo, todavía pudo trabajar. En concreto, terminó este adagio, trabajó para completar el Réquiem y dirigió el estreno de la representación de La Flauta mágica. No vería el final del año.
 
La flauta mágica. Obertura, Allegro. No podemos acabar nuestro concierto sin la más célebre mueca musical de Mozart, su ópera de mayor éxito. El pasaje en allegro que contiene la Obertura, de 2 minutos, es un final brillante y apoteósico. Esta pieza representa la genialidad como pocas. Es el arquetipo de obra maestra. Cuando Mozart estrenó La flauta mágica tenía treinta y cinco años y sólo le quedaban dos meses de vida. El empresario Schikaneder pasaba graves apuros económicos y el compositor, gran amigo suyo desde los años de juventud y en su misma situación financiera, resolvió escribir para él una obra que podría dar dinero. Y así es. La flauta mágica aparece como la número 1 en la lista de Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo en la actualidad. El elemento mítico y maravilloso adquirió en La flauta mágica un gran relieve. Mozart buscaba el aplauso y el éxito con esta pieza. Esperamos que vuelvan a aplaudirla con nuestro condensado homenaje.
 
Johann Sebastian Bach
Toccata y Fuga en Dm BWV 565.
 
Celebérrima pieza no siempre atribuida al maestro de Arnstadt, por determinados estilismos bastante inusuales en el maestro y aparecen en esta obra. El motivo de la fuga estaría basada en una obra anterior de Albinoni : Preludio en Do. La orquesta recrea el sonido del órgano de tubos. Cada guitarrista interpreta una familia de tubos del órgano. De esta forma, se recrea la grandiosidad del instrumento mas grande, y acaso el mas antiguo, de la historia occidental. Organon significa "instrumento". El volumen producido por las guitarras produce un enorme impacto en las actuaciones en directo, y tal vez habría emocionado a Bach, gran aficionado a los avances técnicos que permitieran un mayor volumen y presencia del instrumento.
 
Grandes aficionados, como Liszt o Chopin, popularizaron e interpretaron esta obra en múltiples ocasiones. El cine la ha utilizado en innumerables ocasiones.
 
 

SINFONITY

Sinfonity es el resultado de una búsqueda, de un ir más allá, de no querer conformarse con lo que hay. Sinfonity es la conexión de un grupo de maestros reunidos para interpretar música clásica. Con guitarras eléctricas, como sólo ellos pueden hacerlo.

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